Bailes, drogas y boxeo; Pulp Fiction

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Pulp Fiction poster

Pulp Fiction poster

PULP FICTION

Título: Pulp Fiction o Tiempos Violentos

Año: 1994

Director: Quentin Tarantino

Estreno: 13 de Enero de 1995

Género: Drama, Crimen

Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Uma Thurman, Ving Rhames, Tim Roth, Amanda Plummer

País: Estados Unidos

Tiempo: 154 min

Lenguaje: Inglés

Compañía: A Band Apart

Argumento:

La película comienza cuando Pumpkin (Tim Roth) y su esposa Honey-Bunny (Amanda Plumer) atracan una cafetería. Y sigue con tres historias entrelazadas con esa escena. Tras los créditos iniciales comienza la primera historia en la que Vincent Vega (John Travolta) y su compañero Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) son enviados por su jefe Marsellus Wallace (Ving Rhames) al piso de unos rateros a recuperar una extraña maleta cuyo contenido no es revelado. Recuperan la maleta y matan a 3 de ellos, llevándose a uno llamado Marvin, que es en realidad amigo de Jules. Pero en el coche Vincent le vuela la cabeza al joven sin querer, por lo que tendrán que arreglárselas para limpiar el coche con la ayuda de un amigo de Jules, Jimmie (Quentin Tarantino) y el Señor Wolf (Harvey Keitel).

La siguiente historia cuenta una noche en la que Vincent debe llevar a la esposa de su jefe, Mia Wallace (Uma Thurman), a cenar en ausencia de éste, sabiendo lo violento y celoso que es. Durante la cena podemos ver una de las escenas más famosas de la película en la que ambos actores comienzan a bailar en mitar del restaurante. Pero la peligrosa Mia puede llegar a hacer sufrir mucho a Vega en una noche.

La última historia habla del timo de Butch (Bruce Willis) a Marcellus Wallace. Butch es un boxeador profesional al que el señor Wallace paga por perder. Pero en el último momento Butch decide hacer trampas y se larga con el dinero tratando de huir de la ciudad con su novia. Sin embargo se ha olvidado de su posesión más preciada, el reloj de oro de su padre. Por lo que tendrá que regresar a su casa donde lo esperan los hombres de Marcellus para recuperar el tesoro familiar.

Intérpretes:

John Travolta – Vincent Vega

Samuel L. Jackson – Jules Winnfield

Bruce Willies – Butch Coolidge

Uma Thurman – Mia Wallace

Ving Rhames – Marsellus Wallace

Tim Roth – Pumpkin (Ringo)

Amanda Plummer – Honey Bunny (Yolanda)

Quentin Tarantino – Jimmie

Harvey Keitel – Winston “The Wolf” Wolfe

Curiosidades:

Hay varias escenas y motivos del film que sugieren ciertos misterios. Como el contenido del maletín que Vincent y Jules van a buscar a la casa de los rateros y del que existen diversas teorías:

1 – Que fueran los diamantes robados de Reservoir Dogs

2 –  El alma de Marsellus Wallace, basándose en la tradición vudú de la extracción de almas a través de la nuca cuando después vemos a Wallace con una tirita en ese preciso lugar.

3 – Oro sólido, ya que resplandece cuando Vega lo abre para comprobar el contenido.

4 – Las almas de Jules y Vincent que en la habitación son acribillados a balas sin que ninguna les roce siquiera, quedando todas impactadas contra la pared.

El propio Tarantino explica que no hay una versión oficial ya que se quiso dejar esa cuestión en el aire, considerando cualquiera de las posibles respuestas anodina.

Jules recita a forma de ritual un pasaje biblico, el capítulo 25 versículo 17 de Ezequiel, que dice:

“El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por la injusticia de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que en nombre de la caridad y de la buena voluntad saque a los débiles del valle de la oscuridad, porque él es el auténtico guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos. Y tú sabrás que mi nombre es Yahvé, cuando caiga mi venganza sobre ti.”

Considerado uno de las mejores escenas de la película y una escena que ha quedado grabada para la posteridad. Sin embargo Ezequiel 25;17 dice asi: “Y haré en ellos grandes venganzas con reprensiones de ira; y sabrán que yo soy Yavéh, cuando haga mi venganza en ellos.” Mucho más corto y menos imponente que la versión de Tarantino.

Pulp Fiction es otro de los ejemplos de la obsesión de Tarantino por los cuartos de baño haciendo múltiples referencias, y convirtiéndolo casi en otro personaje más. Durante la cena de Vega y Mia, ésta se va al baño a esnifar cocaina rodeada por otras mujeres; en el piso de los rateros un hombre permanece oculto en el baño; tras la muerte accidental del Marvin Jules y Vincent aparecen en el baño de Jimmie lavándose las manos. Hay tres grandes episodios que Vega se pierde por estar en el baño: el primero es el atraco a la cafetería, el segundo la sobredosis de Mia mientras el tiene una conversación consigo mismo, y el tercero cuando vigila la casa de Butch y este aparece de pronto para matarlo.

Hay muchísimas referencias culturales en el film, y el film ha dejado múltiples referencias en otros. La secuencia de entrada de Vincent al Jack Rabbit Slim’s es un homenaje a una secuencia similar en Goodfellas de Scorsese. La canción durante la conversación de Mia y Vincent no esta grabada en la BSO y es “Rumble” del guitarrista Link Wray. En su conversación, hablando de una serie piloto, éstos describen casi a la perfección a los personajes del Deadly Viper Assasination Squad de Kill Bill. Los colores de la bata y los guantes de boxeo de Butch son exactamente los mismos que los de la Pussy Wagon de Kill Bill y al acabado del segundo automóvil lleno de chicas de Death Proof. Por no hablar de las series de animación como Los Simpson o Padre de Familia en los que aparecen temas de la película y escenas imitadas.

Uno de los grandes momentos es el famoso baile de Mia y Vincent, en el que Uma Thurman llegaba al ataque de nervios debido a la superioridad de Travolta. Después de Saturday Night Fever, donde recibió múltiples críticas a lo mal que bailaba, había jurado no volver a bailar en pantalla, pero Tarantino lo convenció. Así se creo uno de los grandes mitos del cine.

Opinión

Es probablemente la película con más influencia de los 90, tratando todos los temas perdidos y silenciados, desde el sexo, los gángster y las drogas hasta los combates amañados. Con un toque de humor negro que no puede dejarnos indiferentes y unos actores increíbles llenando la pantalla al 100%, poniéndonos de pronto los pelos de punta con cualquier pretexto y sin remilgos ni excepciones a la verdad, por muy decrépita y sucia que parezca, de una historia increíblemente surreal.

Más en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pulp_Fiction

http://www.filmaffinity.com/es/film160882.html

http://www.imdb.com/title/tt0110912/

La tentación se llama Gilda

Cartel Gilda

Cartel Gilda

GILDA

Título: Gilda

Año: 1946

Director: Charles Vidor

Estreno: 27 de septiembre 1947

Género: Drama, Romance

Reparto: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray, Joe Sawyer.

País: Estados Unidos

Tiempo: 110 min

Lenguaje: Inglés

Comañia: Columbia Pictures Corporation

Argumento:

Johnny Farrel (Glenn Ford), jugador de poca monta llega a Argentina donde Ballin Mundson George Macready), dueño de un casino, lo salva de las garras de uns pistolero y lo convierte en parte del negocio que regenta. Pero ambos desconfían el uno del otro constantemente. Y en ese ambiente aparece Gilda (Rita Hayworth) de la mano de Ballin, a quien a conocido durante un viaje y con quien se ha casado. Pero esta mujer no es una desconocida para Farrel, ya tuvo una relación en el pasado con la increíblemente sexy Gilda, pero acabó odiándola. Y esta relación se torna aún más extraña y violenta cuando Mundson entra a formar parte de ella.

Intérpretes:

Rita Hayworth – Gilda

Glenn Ford – Johnny Farrel

George Macready – Ballin Mundson

Joseph Calleia – Maurice Obregón

Steven Geray – Uncle Pio

Joe Sawyer – Cassey


Curiosidades

Cuando cuatro meses después de la muerte de Rita Hayworth, se proyectó Gilda en el Festival de San Sebastián, Glenn Ford abandonó su asiento a mitad de película y fue de la sala emocionado de ver a Gilda en pantalla. Se cuenta que tenía en la habitación de su hotel un retrato de la actriz al que obsequiaba con una rosa roja cada día. Aunque durante el rodaje no se soportaron.

Rita Hayworth fue muy desgraciada, solía comentar que: “los hombres se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo”. Tuvo que someterse a una transformación radical: soportar estrictas dietas para adelgazar, contínuos tratamientos de belleza e incluso que le depilaran el pelo para agudizar el pico de la frente.

En España se censuró y cortó la famosa escena en la que Gilda se quita el guante y lo gira provocativamente, lo que hace que Farrell, lleno de celos, suba al escenario donde estaba ella y le diera la bofetada más sonora y creíble de cuantas se dieron en el cine en esa época. Siguiendo con bofetadas, se dice también que con las que le dio Rita Hayworth a Glenn Ford consiguió partirle un par de dientes y éste aguantó hasta que Vidor gritó “corten”.

Opinión:

“Gilda se ha convertido en un icono de las películas de la década de los 40, no ya por su realización sino por la estétetica y simbolismo que representa. Gilda reproduce en su persona la ya clásica batalla de géneros pues es una mujer exacerbadamente luchadora, que no se resigna, que lucha con toda sus fuerzas contra el hombre al que una vez amó y ahora intenta someterla. Un guante, un número musical al son de “Put the Blame on Mane” y uno de los más famosos tortazos de la historia del cine clásico hacen de Gilda una película que encierra magia y que es inimitable.”

Y, ¿quién no esta de acuerdo? Todas las mujeres desean ser la deseada Gilda bailando ante la multitud, sabiéndose única. Con una fuerza increíble en su interior, capaz de derribar murallas y olvidar las imposiciones sociales para hacer su voluntad. Así vemos a la gran Rita detrás de la pantalla, pero Gilda no existe, es un quimera de deseos ocultos y carácter que jamás encontraremos en la vida real. Por eso es una película tan única, sostenida por una mujer única también

Más en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Gilda_(pel%C3%ADcula)

http://www.filmaffinity.com/es/film943832.html

http://www.hoycinema.com/Gilda-1954.htm

http://akas.imdb.com/title/tt0038559/

Atlantic City

Atlantic City Cartel

Atlantic City Cartel

ATLANTIC CITY

Título: Atlantic City

Año: 1980

Director: Louis Malle

Estrenada: 1 de agosto de 1981

Género: Drama, Gángsters

Reparto: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Michael Picolli, Robert Joy, Hollis McLaren, Kate Reid.

País: Estados Unidos, Canadá y Francia

Tiempo: 104 min

Lenguaje: Inglés

Compañía: International Cinema

Argumento:

Lou (Burt Lancaster) es un corredor de apuestas casi acabado por culpa de los casinos en Atlantic City. Sally es vecina de Lou, una camarera de una marisquería del casino, que odia el olor a pescado y estudia para ser croupier. Pero de pronto aparecen en su trabajo su hermana y su marido, que viajan por el país sin dinero desde que este la dejó embarazada. Le piden a Sally que los acoja, ella les deja quedarse en su casa. Allí conocen a Lou y a la viuda de un gangster: Grace Pinza. El marido de Sally pide ayuda a Lou para repartir droga por la ciudad, pero la droga es robada, y pronto los dueños le encuentran y le matan dejando a Lou con el resto de la droga.

Lou se hace amigo de Sally, la trata como a su protegida, gastando mucho dinero en ella. Pero Sally acaba descubriendo de donde viene ese dinero, de los bolsillos del holgazán de su marido recién asesinado.

Intérpretes:

Burt Lancaster – Lou Pascal

Susan Sarandon – Sally Matthews

Michael Picolli – Joseph

Hollis McLaren – Chrissie

Robert Joy – Dave Matthews

Moses Znaimer – Felix

Kate Reid – Grace Pinza

Opinión:

Atlántic City representa los inicios de la ciudad que se convirtió en uno de los centros de apuestas y ciudad-casino de Estados Unidos. Terriblemente tierna en el fondo muestra cómo el egoismo, la tristeza, el sacrificio y el engaño pueden empujar a algunos pocos a convertirse en mejores personas, incluso cuando no tienen la intención de hacerlo. En Lou encontramos el deseo por algo nuevo e inquietante, la decrepitud, el fin de una vida llena de insatisfacciones; mientras Sally es la esperanza de lo que queda por venir, la oportunidad de mejorar para dejar de llevar una vida sin sentido, en la que pagar por cada error cometido y esperar siempre al pasado para rescatarnos con los buenos recuerdos, o para hundirnos con los malos.

Más en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Atlantic_City_(pel%C3%ADcula)

http://www.filmaffinity.com/es/film192129.html

http://akas.imdb.com/title/tt0080388/

Nobody’s perfect – Con faldas y a lo loco

Cartel con faldas y a lo loco

Cartel con faldas y a lo loco

CON FALDAS Y A LO LOCO

Título: Some like it hot

Año: 1959

Director: Billy Wilder

Estrenada: 29 Marzo de 1959 USA.

Género: Comedia, Musical.

Reparto: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O’ Brien.

País: EEUU

Tiempo: 120 min

Lenguaje: Inglés

Compañía: Ashton

Argumento: Dos músicos Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon) tras presenciar la Masacre del día del San Valentín en Chicago son perseguidos por una banda de gánsters, que quieren desacerse de ellos. Sin dinero, deciden que lo mejor y más rápido es unirse a una banda de chicas adoptando los nombres de Josephine y Daphne, pasando desapercibidos para que nadie descubra su verdadera identidad. La banda viaja a Florida, durante el viaje Joe se enamora de una intérprete de ukelele llamada Sugar (Marilyn Monroe), y el millonario Osgood (Joe E. Brown) se enamora de Daphne/Jerry. Joe decide adoptar una doble personalidad vistiéndose como Cary Grant y haciéndose pasar por millonario para conquistar a Sugar. Pero la mafia llega a Miami y vuelven a surgir los problemas.

Intérpretes

Marilyn Monroe – Sugar

Tony Curtis – Joe

Jack Lemmon – Jerry

George Raft – Gángster

Joe E. Brown – Millionario

Curiosidades:

Durante el rodaje de la película se dice que Marilyn llegaba al menos dos horas tarde al rodaje y que tuvo tantos problemas para aprenderse su papel que tuvieron que colgar carteles con sus líneas para que lo recordara. Otras veces se encerraba en su camerino negándose a salir.  También se dice que durante los descansos George Raft, conocido por sus películas como gangster enseñó a Toni Curtis y Jack Lemmon a bailar el tango.

El papel de Jerry/Daphne le fue ofrecido primero a Jerry Lewis, el cual lo rechazó porque no quería que el público le tomara por una “drag-queen”. De modo que fue Jack Lemmon el que se hizo cargo del personaje que le convirtió en gran estrella y por el que ganaría su primera nominación al Oscar como mejor actor. Según Jerry Lewis, desde entonces Jack Lemmon le enviaba todos los años una caja de bombones concidiendo con el aniversario del estreno del film en Los Angeles.

Tony Curtis fue muy crítico con Marilyn. Decía de ella que “era una mujer con el cuerpo de una diosa y el cerebro de un niño de cuatro años”. También se comenta, a pesar de que el lo negó años después, que comparó besar a Monroe con besar a Hitler.

El título original de la película, “Some like it hot” (A algunos les gusta caliente, en una traducción literal) hace referencia a la música que tocan en la banda femenina y no a ningún tipo de connotacion sexual. Hot era un tipo de música de la época que la banda de chicas de la película tocaba. Lo curioso del tema es que en España no fue traducida por “Con faldas y a lo loco” por la cuestión sexual, sino simple y llanamente porque en ese momento estaba triunfando la canción titulada “A lo loco”. En Italia se tituló destrozándo la frase final: Nobody’s perfect.

En un principio iba a rodarse en color, pero descubrieron que la gran cantidad de maquillaje que debían poner a los actores se volvía verde, por lo que rodaron en blanco y negro. Marilyn estuvo a punto de rescindir el contrato, pero el directo la tranquilizó diciéndole que quedaría igual de guapa que a color.

Opinión:

Esta deliciosa comedia llena de comentarios chistosos, situaciones divertidas y disparatadas y locuras jamás antes vistas en el cine, es una preciosa oportunidad de ver a dos grandes actores, interpretándo magistralmente ésos locos y patéticos personajes que daban la nota de color a cualquier película de época. Muchas veces se ha tratado de plagiar este perfecto cócktel en distintas épocas y con distintos actores, pero la urgencia de la situación en la que se encuentran, y principalmente el toque que Wilder le da a sus películas, la hacen completamente inimitable. Uniendo eso a la maravillosa imágen del ídolo que era Marilyn tenemos esta historia de amor, música y gangsters. Desde la primera imágen hasta el adiós de Jack Lemmon podemos decir que la risa y la espectación son los mejores atributos y compañeros para el film

Más en:

http://www.filmaffinity.com/es/film353180.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Con_faldas_y_a_lo_loco

http://tepasmas.com/curiosidades/confalda

http://akas.imdb.com/title/tt0053291/

El poder de la mente – El club de la lucha

Cartel del Club de la Lucha

Cartel del Club de la Lucha

EL CLUB DE LA LUCHA

Año: 1999

Director: David Fincher

Estrenada el: 5 de noviembre de 1999

Género: Humor negro

Reparto: Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham Carter, Meat Loaf, Zach Grenier

País: EEUU, Alemania

Tiempo: 139 minutos

Lenguaje: Inglés

Compañía: Art Linson Production

Argumento: Esta disparatada historia contada desde los ojos de su protagonista, del que no se desvela en nombre pero llaman Jack, es un diario de locura. Jack (Edward Norton) es un personaje insomne que viaja de un lado a otro del país para una compañía de coches. De pronto descubre que los grupos de terapia acerca de enfermedades que ni siquiera conoce, le ayudan a conciliar el sueño, y los convierte en una adicción. Hasta que aparece Marla Singer, un personaje igual de caótico que el mismo que acude a las mismas sesiones que él, convirtiéndolas en inservibles para sus propositos de dormir. Opta por entablar conversacion con ella y repartírselas. Días después, conoce a Tyler Durden (Brad Pitt) un comercial de jabón que viaja con él en el avión. Al llegar a su casa descubre que ésta ha explotado arrasando con todos sus objetos personales. Decide llamar a su recién conocido amigo Tyler. Después de tomar unas copas y discutir sobre lo sucedido, Tyler le pide a Jack que le pegue un puñetazo a la salida del bar. Y así comineza El Club de la Lucha, una asociación anarquista que pretende extender el caos en una sociedad cada vez mas consumista y menos concienciada. El dolor físico es para ellos la fuente de liberación. Con el tiempo la asociación acaba conviriténdose en un auténtico ejército. Mientras reaparecerá Marla, atormentando a Jack y convirtiéndose en la nueva amante de Tyler. Pero las actividades del grupo comienzan a escapársele de las manos a Jack que no entiende los planes de Tyler, que no entiende quién es Tyler y por qué de pronto todos parecen pensar que él es Tyler Durden.

Interpretes:

Edward Norton – Narrador, Jack

Brad Pitt – Tyler Durden

Helena Bonham Carter – Marla Singer

Meat Loaf – Robert ‘Bob’ Paulson

Zach Grenier – Richard Chesler

Curiosidades:

Basada en la novela homónima de Chuck  Palahniuk, que ayudó a escribir el guión junto a Jim Uhis (Jumper). Esta noverla publicada en 1996 hablaba de un joven que lucha contra su creciente odio a la sociedad del consumo y los cambios de estado de la masculinidad en la cultura estadounidense. Tratando de superarlo crea un club de boxeo en clandestino como forma de terapia grupal para todos los que se sienten decepcionados con sus vidad vacias de significado. A pesar de las creencias populares de que el Club de la Lucha esta basado en un club que existió en la realidad lo cierto es que Palahniuk se inspiró en sus propias peleas de años anteriores, principalmente estando de acampada. El genuino club de la lucha no existe, pero sin embargo el autor asegura que conoce de algunos fans que han creado o participado en clubs vagamente similares. Igual que los grupos de apoyo están basados en algunos en los que él mismo participó como voluntario. Así mismo muchas de las bromas de Tyler en sus diversos trabajos an sido plagiadas en Estados Unidos desde la publicación del libro y la película. Contrariamente a la opinión popular que tacha la película de fascista, violenta o estrecha de miras, la mayor parte de los fans la consideran una auténtica guía espiritual que los ha empujado a buscar mejores trabajos, estudiar en la universidad o recuperar valores olvidados.

Nominada al Oscar a Mejores efectos sonoros en el año 2000. Nominada a la mejor banda sonora en los Brit Awards en el 2000. Ganadora del Empire Award de Reino Unido a la Mejor actriz inglesa Helena Bonham Carter.

Banda sonora a cargo del grupo musical The Dust Brothers (más información: http://en.wikipedia.org/wiki/Dust_Brothers , http://www.dustbrothers.com/)

En el 2004 se creó el videojuego de El Club de la Lucha por Vivendi Universal Games, pero fue duramente criticado por los seguidores del libro y la película que consideraron el producto meramente comercial y muy alejado de las intenciones y temas de la propia película.

El 23 de junio de 2004 Fight Club se convirtió en un musical , adaptado por Palahniuk, Fincher y Trentz Reznor.

En los créditos finales del film aparece un flash del plano de un pene, tal y como el personaje de Pitt, Tyler, hace en uno de sus trabajos por horas.El director filmó a Brad Pitt y a Bonham Carter completamente desnudos con puntos digitales blancos, mientras adoptaban diversas posturas de Kama Sutra. Carter confesó: “Es frustrante pasarme doce horas debajo de Brad Pitt, sin poder disfrutar de ello”.

Video con imágenes de la película y una de los track de la Banda Sonora: Where is my mind – The Pixies Footage

Reglas del Club de la Lucha:

La primera regla del Club de la Lucha es que nadie habla sobre el Club de la Lucha

La segunda regla del Club de la Lucha es que nadie habla sobre el Club de la Lucha

La tercera regla es: la pelea termina cuando uno de los dos contendientes grita “alto”, pierde la vertical o hace una señal.

La cuarta: sólo dos personas por pelea.

La quinta: sólo una pelea por vez.

Sexta: sin camisa ni zapatos

Séptima: cada pelea durará lo que tenga que durar. No hay límites de tiempo.

Octava: si esta es tu primera noche en el Club de la Lucha, entonces, TIENES QUE PELEAR

Frases:

-Si tuviera un tumor lo llamaría Marla.

-La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seriamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos y poco a poco nos hemos dado cuenta y estamos, muy, muy cabreados.

– Somos los hijos indeseados de Dios, ¿y qué? Nuestros padres eran nuestros modelos de Dios, si nuestros padres nos fallaron, ¿qué dice eso de Dios?

Si el tiempo vivido es largo, el índice de supervivencia para todos se reduce a cero.

Lo que posees acabará poseyéndote.

– No somos nuestro trabajo. No somos nuestra cuenta corriente. No somos el coche que tenemos. No somos el contenido de nuestra cartera. No somos nuestros pantalones… Somos la mierda cantante y danzante del mundo.

-Perseguis a la gente de quien dependeis, preparamos vuestras comidas, recogemos vuestras basuras, conectamos vuestras llamadas, conducimos vuestras ambulancias y os protegemos mientras dormis.. Así que no te metas con nosotros.

– Si te despertaras a otra hora en otro lugar….¿te despertarías siendo otra persona?

– La autoperfección es simple masturbación.

-Debes saber, no temer, saber que algun día vas a morir.

Opinión:

Con la típica estructura del bueno y el malo, el Club de la Lucha no es simplemente un libro o una película, es todo un fenómeno que recoje las enseñanzas olvidadas o borradas por la sociedad del consumo. Habla directamente al corazón, a los músculos, al cerebro, para dejar de actuar como autómatas y participar de nuestras propias vidas, cambiar nuestros destinos y el destino del mundo. Dejar de funcionar con el engranaje y buscar la felicidad en los objetos. De forma quizá algo violenta, regado con sangre, alcohol y suciedad, nuestro héroe Tyler nos enseña los desastres de la historia, los huecos en blanco de todas nuestras creencias actuales y nos lleva a un mundo oscuro, lleno de terror, donde la locura o el dolor son nuestros invitados. Quizá parte del fenómeno que siguió a la película y por el que se crearon algunas de estas sociedades de boxeo, este debido a esa forma directa, chocante, violenta, que tiene el director a través de nuestro narrador de ponernos en la piel de ese oficinista de mediana edad que ha llegado a alcanzar ese punto de autorrealización que todos nos sentimos obligados a perseguir, y, aún así, sigue siendo tan infeliz como el resto, y su conciencia no lo deja dormir hasta que no mata sus demonios a puñetazos y consigue liberar su mente de esas enseñanzas inútiles sobre quién debemos ser y qué debemos poseer.

Más información:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_club_de_lucha

http://es.wikipedia.org/wiki/Fight_Club

http://www.imdb.com/title/tt0137523/

http://www.filmaffinity.com/es/film536945.html

http://sospechosos-habituales.blogspot.com/2006/02/el-club-de-la-lucha-frases-y.html

Blade Runner – Corazón de metal

Blade Runner Cartel

Blade Runner Cartel

BLADE RUNNER

Año: 1982

Director: Ridley Scott

Estrenada en: 21 de Agosto de 1982

Género: Ciencia Ficción, Acción, Drama

Reparto: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, Daryl Hannah, Morgan Paull, Biron James, M. Emmet Walsh, Joe Turkel, James Hong, William Sanderson, Joanna Cassidy.

Música: Vangelis

País: Estados Unidos, Singapur

Tiempo: 112 min

Lenguaje: Inglés

Compañía: Warner Bross

Argumento: En noviembre del año 2019, en Los Ángeles, Rick Deckard (Harrison Ford) es llamado desde su retiro por su antiguo jefe Bryant (M. Emmet Walsh) para perseguir a una serie de replicantes fugados Nexus-6: Roy Batty (Rutger Hauer) un comando, Leon un soldado, Zhora (Joanna Cassidy) trabajadora sexual entrenada como asesina y Pris (Daryl Hannah) un “modelo básico de placer”. Bryant le explica también que los modelos tienen limitada su vida a 4 años para evitar su desarrollo emocional inestable. Deckard, acompañado por Gaff (Edward James Olmos) se dirige a la Tyrell Corporation para comprobar una prueba que se hace a los a los replicantes. Ahí Deckard descubre a Rachel (Sean Young), la joven secretaria de Tyrell (Joe Turkel), una replicante experimental con recuerdos implantados para contar con una base emocional.

Deckard y Gaff allanan el apartamento de Leon, mientras este y Roy obligan a Chew (James Hong) un diseñador genético de ojos a que les lleve a J.F. Sebastian (William Sanderson), el que logrará llevarles a Tyrell. Por otro la do Rachel visita a Deckard para demostrarle que es humana, pero huye llorando al descubrir que sus recuerdos son falsos. Mientras Pris se aprovecha de Sebastian para colarse en su casa.

Mientras los replicantes se deterioran poco a poco continuan su persecucíon para llegar al hombre que los creo. ¿Quién conseguirá alcanzar antes su objetivo, los replicantes a Tyrell o Deckard a ellos?

Intérpretes:

Harrison Ford: Rick Deckard

Rutger Hauer: Roy Batty

Sean Young – Rachel

Edward James Olmos: Gaff

Daryll Hannah: Pris

Morgan Paul: Holden

Brion James: Leon

M. Emmet Walsh: Bryant

Joe Turkel: Dr. Eldon Tyrell

James Hong: Hannibal Chew

William Sanderson: J.F. Sebastian

Joanna Cassidy: Zhora

Curiosidades:

Existen siete versiones de Blade Runner, aunque sólo tres son ampliamente conocidas y vistas:

  • El montaje internacional original de 1982, que contenía más violencia gráfica que la estrenada en Estados Unidos, y que apareció en VHS y Laserdisc de la Colección Criterion.
  • La versión para los cines estadounidenses, también conocida como montaje doméstico (domestic cut).
  • La versión para televisión, editando sus contenidos ofensivos.
  • Dos versiones de trabajo, mostradas únicamente en preestrenos de audiencias y ocasionalmente en festivales de cine; una de estas versiones fue distribuida en 1991, como un Director’s Cut sin la aprobación de Ridley Scott.
  • El aprobado Director’s Cut de 1992, incitado por la edición desautorizada de 1991. Coincidiendo con el décimo aniversario, se editó en DVD y se proyectó en cines.
  • El montaje final (The Final Cut) de 2007 y 2008. Coincidiendo con el vigésimoquinto aniversario, se restauró, se editó en DVD y Blu-Ray y se proyectó en cines.

Basada ligeramente en el libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Phillip K. Dick se ha convertido en un clásico del cine de ciencia ficción y precursora del ciber-punk.

La crítica se mostró muy dispar con el film. Mientras unos apreciaban la complejidad temática de la película, otros parecían decepcionados con el ritmo narrativo que no conciliaba con una película de acción. Lo que sí es cierto es que en EEUU la película no obtuvo mucho éxito en taquilla, mientras en el resto del mundo arrasó, convirtiéndose rápidamente en película de culto. Aclamada como un gran clásico moderno por la ambientación lograda por los efectos especiales y por plantear temas y preocupaciones fundamentales del s. XXI, hasta llegar a considerárse una de las películas más influyentes de todos los tiempos.

Coincidió en su estreno con otro de los grandes éxitos del cine actual: E.T. El estraterrestre.

Nominada a 2 Oscars en 1983: Mejor Decoración y Mejores Efectos Especiales. Ganadora del Saturn Award de la Academia de Películas de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror a la mejor edición especial en DVD en el 2008. Ganadora de los premios BAFTA de cine a: Mejor Película, Mejor Diseño de vestuario, Mejor Dirección artística; y nominada a: Mejor montaje, Mejor maquillaje, Mejor música, Mejor sonido, Mejores Efectos Especiales.

La música de Vangelis se considera uno de los mayores logros del film.

Opinión:

Esta maravillosa pieza que mezcla el arte visual, los efectos especiales, el diseño, la acción, el amor y temas éticos fundamentales referentes a la nueva era cibernética, merece ser tratado como una de las grandes joyas del cine y un referente cultural en general. Como una obra de arte, dispersa, dificil de seguir y de encontrar, con una música de fondo que emociona y unos diálogos simples, sencillos, directos, casi espeluznantemente fríos, atados a unos sentimientos casi paradójicamente imposibles, los sentimientos de una máquina. Creadores, creados, todos, luchan por sobrevivir en un mundo que ha perdido las reglas fundamentales de supervivencia y debe crearlas de nuevo para descubrir que los prejuicios no son válidos, que las reglas no son justas, que el amor puede nacer de los elementos más aparentemente incapaces de sentirlo, y florecer entre sangre, dolor, lágrimas y violencia.

Más información:

http://www.imdb.com/title/tt0083658/awards

http://www.imdb.com/title/tt0083658/

http://es.wikipedia.org/wiki/Blade_Runner

http://www.filmaffinity.com/es/film358476.html

Para reirse: Arsénico por compasión de Frak Capra

Cartel de Arsénico por compasión

Cartel de Arsénico por compasión

ARSÉNICO POR COMPASIÓN

Título original: Arsenic and Old Lace

Año: 1941

Director: Frank Capra.

Estrenada en: 1 de Septiembre de 1944 (EEUU); 5 de Abril de 1947 (España).

Género: Comedia negra, Thriller.

Reparto: Cary Grant, Josephine Hull, Jean Adair, Priscilla Lane, Raymond Massey, Peter Lorre, John Alexandre.

Duración: 118 min.

País: EEUU.

Lenguaje: Inglés.

Compañía: Warner Bross Production.

Argumento:La obra empieza con Mortimer Brewster, conocido crítico teatral y autor de best sellers como La biblia del soltero o El matrimonio, fraude y fracaso, en la cola de un judgado del distrito neoyorquino de Brooklyn esperando para sacarse la licencia matrimonial. Después de algún inconveniente, vuelve a su casa con su mujer Elaine (Priscilla Lane), en la que vive con sus dos ancianas tías (Josephine Hull y Jean Adair) y su tío Theodore Brewster que padece demencia y cree que es Teddy Roosvelt (John Alexandre). Quiere recoger algunas pertenencias antes de marcharse de luna de miel a las Cataratas del Niágara, cuando descubre que sus encantadoras y ancianas tías se dedican a aliviar con arsénico disuelto en licor, las penas de los hombres solitarios y pobres que acogen en su casa, con el pretexto de alquilar una habitación. Por si este problema fuera poco, esa misma noche aparece otro de sus familiares, su hermano Jonathan (Raymond Massey) un asesino sanguinario que se parece a Boris Karloff. En una sola noche deberá resolver la situación de sus tías, enfrentarse a su primo, y al eternamente borrachomédico-cirujano que lo acompaña, Dr. Hermann Einstein (Peter Lorre).

Intérpretes:

Cary Grant – Mortimer Brewster

Josephine Hull – Tía Abby Brewster

Jean Adair – Tía Marta Brewster

Priscilla Lane – Elaine Harper

Raymond Massey – Jonathan Brewster

Peter Lorre – Doctor Einstein

John Alexander – Theodore Brewster

Jack Carson – Oficial Pat O’Hara

John Ridgely – Oficial Saunders

Edward McNamara – Sargento Brophy

James Gleason – Capitán Rooney

Grant Mitchel – Reverendo Harper

Edward Everett Horton – Señor Whiterspoon

Vaughan Glaser – Juez Cullman

Curiosidades:

Frank Capra como muchos otros neoyorquinos había disfrutado de la comedia de Broadway Arsénico y encaje antiguo de Joseph Kesselring. Vió en ella la posibilidad de un rodaje rápido y barato que logrará un gran éxito.  Pero los productores de la obra la habían vendido a Warner a cambio de no estrenarla hasta que la obra dejara de representarse, lo cual suponía unos cuatro años. Pero Capra se puso en contacto con algunos de los protagonistas de la obra, ofreciéndoles trabajar durante sus vacaciones en el rodaje en secreto. Después pidió al equipo de produción Warner presupuesto para un rodaje barato, presuponiendo que la estrella, Grant, diría que sí al proyecto y contando con los 100.000 dolares que cobraba por largometraje.

Toda la película se rodaría en un sólo decorado de un sólo estudio en una fantasmagórica casa de Brooklyn de dos pisos cerca de un cementerio; con todo el equipo Warner: cámara, sonido, iluminación, montaje… Había que construir algo de la fachada y los alrededores, algunas lápidas rotas, y en la distancia el perfil de los edificios de Manhattan recortándose en el cielo. Una miniatura del puente de Brooklyn. Ojas de otoño y una luna llena para la noche de Halloween. Tres máquinas de viento silenciosas. Y la iluminación de la calle y los neones de colores de resplandecen sobre la ciudad. Todo por menos de 400.000 dólares.

El rodaje sólo paró el día 7 de diciembre de 1942 tras el ataque al Pearl Harbor. A la mañana siguiente dos oficiales de Transmisiones fueron al plató a tomar juramento a Capra. Éste pidió 6 semanas de licencia para terminar de rodar y montar la pelicula. El 16 de diciembre acabó la última secuencia y se encerró a montar la película. Por las noches un sastre le tomaba las medidas para el uniforme. El día 5 de febrero de 1943 recibió un telegrama que le reclamaba seis días más tarde en Washington D.C.

Mientras Grant se preparaba para recibir la preciada estatuilla por su papel en Serenata Nostálgica. El británico se había incorporado a la sección de los artistas del comité de la Victoria de Hollywood y se había volcado en tareas de organización de ventas de obligaciones de guerra y espectáculos para la tropa y los heridos. Su disgusto fue mayúsculo cuando su rival en la Paramount Gary Cooper, recibió el galardón por su trabajo en El sargento York.

Al final los planes de Capra de hacer una película de éxito sobre una base de porcentaje para sacar el mayor dinero posible, sin embargo cuando se estrenó en 1944 hizo dinero tan rápidamente, que sólo consiguió salvar de los impuestos unos 30.000 dólares.

Arsénico por compasión fue el nombre de un grupo de pop-rock madrileño.

Opinión

Esta joya del cine cómico es una de las grandes muestras de los maestros que se divertían y nos divertían, jugando a través de escenarios mínimos y diálogos rápidos plagados de humor. Una auténtica comedia negra en todo su esplendor, que siempre fascina e impresiona al espectador, intrigándolo hasta los últimos momentos de film, resolviendo limpiamente el enredo. Con una velocidad increíble para un film de la época nos pasa esta lluvia de ingenio. Una obra menor sin duda, pero de un autor de los grandes, capaz de llevar lo imposible al límite y justificarlo.


Más información: (fuentes)

http://www.imdb.com/title/tt0036613/

http://www.labutaca.net/films/29/arsenicoporcompasion.htm

http://www.filmaffinity.com/es/film601961.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Ars%C3%A9nico_por_compasi%C3%B3n

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